Abbott: ". Yo sé que no hay una persona como Drácula, usted sabe que no hay una persona como Drácula"

Costello: "¿Pero Drácula sabía?"

15 de junio marcó el 65 aniversario de la liberación de Abbott y Costello contra los fantasmas, una de las películas más querido de todos los tiempos, que tiene un atractivo especial para los niños de todas las edades. Después de todo, ¿cuántas películas mezcla comedia y horror como winningly? Recuerdo que me encantó esta película infinidad de veces en mi juventud, por lo general con mis hermanos y primos, nunca se cansa de ella. Esos eran los días (1970) cuando el canal 11 de Nueva York mostró una comedia de Abbott y Costello todos los domingos por la mañana. Mi favorito es el momento de sus vidas (1946), una fantasía con temas de la guerra revolucionaria, pero A y C contra los fantasmas es un cercano segundo lugar. (Charles T. Barton dirigió las dos imágenes.)

Universal combina sus dos grandes franquicias de películas de monstruos y Abbott y Costello comedias-en momentos en que ambos necesitaban un impulso. Después de 1945, la serie de terror del estudio no era muerto, pero totalmente enterrado, después de haber caído muy bajo. Mira La mansión de Drácula (1945) como prueba, un verdaderamente terrible película a pesar de su inclusión no sólo de Drácula, pero el hombre lobo y el monstruo de Frankenstein. Fue-perdóname-el último clavo en el ataúd de la serie. En cuanto a Abbott y Costello, en 1948, parecía poco probable que alguna vez volverán a ser tan popular como lo habían sido durante la Segunda Guerra Mundial. Encuesta de una película expositores que la mayor atracción de taquilla de la pantalla de 1942 había nombrado, en 1945, que ya no estaban en el top ten. (Tercera ventaja perdurable de Universal, soprano Deanna Durbin, hizo su última película en 1948.) H vieja Eso Ghost (1941), el "miedo" Abbott y Costello comedia (y otra de mis favoritas), ya se había demostrado que el par podría generar grandes risas en situaciones espeluznantes. Por lo tanto, era más que montar hacer equipo con monstruos resucitados del estudio. Para todos los involucrados, el partido en marcha resultó ser tan vivificante como uno de sacudidas eléctricas del Dr. Frankenstein.

En los títulos de crédito, que incluyen animación, te darás cuenta de que el título oficial de la película es Bud Abbott Lou Costello contra los fantasmas, pero a quién se le llame así? Bela Lugosi como Drácula está de vuelta, y Lon Chaney Jr. (no facturado "Jr.") es de nuevo Lawrence Talbot (el hombre lobo), con Glenn Strange como el monstruo de Frankenstein. Señor Strange duda cumplió los requisitos físicos de la función, pero no pudo aportar ninguna personalidad a la pieza. (Monstruo de Boris Karloff como resultado de un hacer que dos de todos los tiempos del género mejores actuaciones.) Para cualquier marcador manteniendo, esto fue quinta aparición de Chaney como el Hombre Lobo, de Strange tercero como el monstruo, y sólo de Lugosi segundo como el actual Drácula. Después de las necedades y las indignidades de House of Dracula, los tres personajes icónicos consiguieron un trato mucho mejor al aparecer con Bud y Lou.

Chaney está llamado a ser el hombre recto cómico entre los monstruos, que actúa de manera diferente de lo que hace en sus otras películas del hombre lobo. Su embrujada, actitud solemne da a la película un núcleo de satisfacción de seriedad: él es el único que parece creer que cualquiera de la trama que está sucediendo realmente. Chaney es un buen deporte, permitiendo a aquellos a su alrededor para cosechar todas las risas, simplemente cuing los chistes.

Chaney: "En una media hora, la luna volverá a salir y voy a convertir en un lobo."

Costello: "Usted y veinte millones de otros chicos."

Lugosi, sin embargo, tiene permiso de ser divertido, especialmente con respecto a su fuerte acento de Europa del Este. Con Costello jugando un tipo llamado Wilbur, trate de no sonreír cada vez que Lugosi lo llama "Vilbur". (También es difícil de resistir los momentos Costello llama Monster "Frankie" o "Junior"). Luz actuación de Lugosi, auto-divertida es un placer, pero también llega a mostrar algo de su empuje inicial de Transilvania al hipnotizar gente o tomar el bocado ocasional fuera de ellos. La película probablemente debería haber sido llamado Abbott y Costello contra Drácula, ya que, después de todo, Lugosi es el monstruo en el cargo.

La historia tiene el Hombre Lobo persiguiendo Drácula y el monstruo de Europa a Florida. Es el plan de Drácula para reemplazar cerebro diabólico del monstruo con una más maleable, más simple, con lo cual la Monster más fácil de controlar. Dr. Mornay (Lenore Aubert, una segunda cadena de Hedy Lamarr) es la hermosa cirujano que ha encontrado el cerebro perfecto para el experimento: Wilbur. En uno de los más divertidos de los bits en curso de la película, el doctor Wilbur Mornay convence de que ella está perdidamente enamorada de él, esencialmente le cortejar a la derecha en la mesa de operaciones en el laboratorio dentro del castillo de Drácula. (En una isla diminuta Florida!) Añadir a la diversión sostenido de la película son una secuencia de "La casa de los horrores", una pared de truco en el sótano del castillo, y un enfrentamiento culminante entre Drácula y el Hombre Lobo. Una vez que los monstruos son destruidos (otra vez), Bud y Lou son de nueva asustados por una aparición del hombre invisible (la voz de Vincent Price), la taponadora perfecto.

Aunque Boris Karloff brilla por su ausencia aquí, no sería por mucho tiempo. El éxito de la película puso en marcha una serie de Abbott y Costello imágenes en las que chocaron con otras leyendas de horror: Abbott y Costello contra el asesino, Boris Karloff (1949), Abbott y Costello contra el hombre invisible (1951), Abbott y Costello contra el Dr. . Jekyll y Mr. Hyde (1953), de nuevo con Karloff, y, por último, Abbott y Costello contra la momia (1955). Ninguno llegó ni de lejos los placeres perdurables de su encuentro con Frankenstein, cuando Abbott, Lugosi, Costello, y Chaney fusionan tan feliz de que su película se convirtió en la clase que usted quiera volver a visitar una y otra vez.

Con su popularidad recargada, Abbott y Costello fueron nombrados el número tres atracción de taquilla los exhibidores cinematográficos de 1948 (detrás de Bing Crosby y Betty Grable).

"Wet, ella es una estrella. Seca que no lo es. "Fanny Brice supuestamente dijo esto sobre nadadora Eleanor Holm, rival en amores de Brice, pero, una vez que el nombre de Holm se desvaneció, la línea (demasiado bueno para desaparecer) fue transferido a Esther Williams, sobre todo porque muchas personas pensaron que adapta ella. La consecuencia evidente es que el nadador Williams fue una estrella musical MGM que no podían actuar, cantar o bailar, simplemente nadar. Una evaluación injusta, a pesar de que Williams ciertamente no se habría convertido en una estrella en base a sus habilidades de triple amenaza. Ella murió el pasado jueves a los 91 años, un momento adecuado para volver a evaluar sus atributos a menudo despedidos película estrella.

Esther Williams estaba en los primeros diez estrellas de taquilla de 1949 y 1950, sólo superada por Betty Grable entre las mujeres. Su proximidad a Grable tiene sentido porque eran el mismo tipo de estrella de cine, querido y admirado, pero aparentemente accesible. Eran bellezas sin ser diosas de otro mundo, como Ava Gardner o Rita Hayworth, más parecido a la chica más guapa de la clase mayor, el modesto cariño de todos los estadounidenses. Esther tiene calidad de estrella, ese "algo" que hace que el público quiere estar en su compañía, película tras película, la sensación de que ellos saben, como, y se preocupan por ti. Y ella realmente tenía, en casa delante de una cámara si ella estaba en el agua o no (aunque, sí, por supuesto, su calidad de estrella brilló más brillante cuando hizo nadar parecer baile). Ella nunca fue lo que se dice una verdadera actriz, pero dentro de los límites de sus comedias ligeras que siempre parecía muy relajado, por lo que casi se cree esas complicaciones románticas tontas que ocurre entre nada.

Ice skater Sonja Henie, encima en Fox, ya había establecido la fórmula de cómo convertir un atleta en una estrella de películas musicales. Sin embargo, la fama de Henie no ha envejecido y Esther. No era una belleza, ni tenía la comodidad de la pantalla básica de Ester (para ser justos, el Henie noruego no estaba actuando en su lengua materna). El mayor problema con las películas de Henie hoy es que su deporte se ha superado así su nivel de habilidad que ahora se pregunta por qué tanto alboroto. (¿Dónde están los lazos triples?) Williams y sus películas son más fácil de vender porque, nunca hay ninguna duda, esa chica realmente puede nadar!

Quiero ver dos musicales Williams, uno de cada uno de sus años de apogeo (1949 y 1950), uno totalmente típicos y el otro un verdadero cambio de ritmo.

Duquesa de Idaho (1950) es la quintaesencia de la imagen Esther Williams, tratando de no ser nada especial, sólo con la esperanza de cumplir las expectativas del público para una estancia agradable, entretenimiento colorido, que da Esther amplias oportunidades para entrar en su traje de baño. Y, de este tipo, no es malo en absoluto. Los placeres de bajo grado de este tipo de comedia musical se derivan del hecho de que nadie está haciendo un gran esfuerzo, en el buen sentido. Es un ambiente relajado película despreocupadamente frívola, con canciones olvidables, en modo alguno un musical "integrado" en el que las canciones avanzar la trama. Los números ocurren exclusivamente en la realización de los lugares. Se trata de un musical al estilo de 1940 de grado B, con actos especiales, en este caso, incluyendo el grado A-participaciones de Lena Horne y Eleanor Powell (emergente brevemente de su retiro) muy.

El general parcela sitcom ha Esther ayudar enamorado pal Paula Raymond enganchar playboy su jefe, John Lund, por lo perseguía a los brazos de Raymond. En el camino, Esther cumple director de orquesta Van Johnson, y, bueno, se puede adivinar el resto. El valor principal es Sun Valley, Idaho, que es como se abrió camino en el título sin inspiración. Esther juega-lo adivinaste-una estrella de la natación, y es protagonista de un espectáculo de Chicago llamado "Melody en Swimtime" (un título mejor que la duquesa de Idaho). La película tiene dos espectáculos de agua, uno en la apertura y uno cerca del final, el primero con un tobogán y viñedos, la segunda un espectáculo griego de aspecto. Tampoco entre la mejor o la más escandalosa, pero hacer el trabajo "escapista" hecho. (Menos agradable es decisión hilarante de la película para que sus créditos de apertura cantados por un coro!)

¿Por qué estoy siquiera molestarse en hablar de una película tan trivial, olvidables y desechables? Se debe a que una película tan desechable demuestra el poder de las estrellas de Esther Williams, sin beneficios, como un guión de primera clase. En pruebas son su simpatía cálida, su confianza facilidad en la realización de una película, su tono de voz muy atractivo, su enfoque no forzada a la comedia romántica. A continuación, añadir las satisfacciones de mirando a una hermosa y escultural estrella durante noventa y ocho minutos. Diseñador Helen Rose hizo del color de Esther "rojo" en esta película, y se ve sensacional, y aún así de alguna manera "regular", como alguien que en realidad se podría saber.

No mucho antes de esta película, Esther tiene algo de una promoción MGM-musical, un descanso de su fórmula de natación de imagen (que comenzó en 1944 con la Escuela de sirenas). Ella protagonizó junto a Frank Sinatra y Gene Kelly en una producción de primer nivel Arthur Freed: Llévame al juego de pelota (1949). Mucho se ha escrito sobre el choque entre Esther y Gene, que al parecer se derivó de descontento unhidden de Gene sobre su lanzamiento, lo que se denomina estrella musical que en realidad no cantar o bailar. (Para su crédito, ella ayudó a introducir la ganadora del Oscar "Bebé, es exterior frío" ese mismo año, en La hija de Neptuno.) Sin embargo, ¿no es perfectamente apropiado para que Esther Williams como la estrella femenina en un musical sobre los atletas, con su forma de tocar el nuevo propietario de un equipo de béisbol?

Llévame al juego de pelota es una enorme decepción teniendo en cuenta el talento que se trate (que también incluye Busby Berkeley, Stanley Donen, y maravillosa Betty Garrett). Tiene canciones tan-tan inane y trazar, a pesar de que la premisa es muy prometedor: peloteros estrellas Kelly y Sinatra son vaudevilians ansiosos en la temporada baja. Aparte de su delicioso canto y baile con la música del título, no hay mucho para emocionarse. Con su ambiente de época, la película no tiene un tiempo fácil conseguir Esther en una piscina, pero ella también tiene algunos buenos momentos con la canción del título, nadando y cantando antes de sumergirse.

Si se hizo Esther sentir inadecuado, bueno, ella tuvo la última risa. Mientras que ella entrega su simpatía tolerante siempre, dispuestos a presionar para una risa o una cuchara en una escena, Kelly da lo que es sin duda su peor actuación en un MGM musical, un poco descarada Hammy y sin gracia de la amplia interpretación cómica. Su asalto incesante es agotador ver. Hable acerca sobreestimar su apelación! De pie en el banquillo como Kelly hace el ridículo, Esther (que nunca en sus sueños más locos podría competir con Kelly como un talento) mantiene su dignidad, de ninguna manera aparentemente "no es suficiente" para esta empresa.

Esther Williams podría cantar un poco, mover bien, hable líneas naturalmente, conseguir una risa o dos, y calentar con algunos de sus principales hombres. Nunca hubo ninguna duda acerca de su belleza o su destreza en la piscina (en términos de agilidad y la gracia). Si se suma todo y tiene una estrella de cine singular y genuina, la talla de la que no podría volver.

Llama a esta segunda parte de mi Día de los Caídos en el cine, que comenzó la semana pasada con grandes elogios por Almas en la hoguera (1949). Hoy quiero ver dos películas de la Segunda Guerra Mundial realizadas durante la guerra, dos obras femenina impulsados ​​por casualidad lanzado en el otoño de 1943. Sus modelos impresionantes pueden ser confundidos con los conjuntos de Stage Door o las mujeres (pero sin los cambios de vestuario). So Proudly We Hail! Y Grito "estrago" ambas se centran en nuestros valientes enfermeras trabajadoras en el Pacífico Sur. El césped compartida en estas películas es lo suficientemente cerca para que usted se pregunta por qué los dos grupos no se unen a las fuerzas o, al menos, correr en la otra.

Del director Mark Sandrich So Proudly We Hail!, El tributo de Paramount a las mujeres americanas en el camino del peligro, es el más famoso, popular y aclamada de las dos películas. Aunque se trata de una mezcla demasiado largo y algo torpe de acción, romance, e incluso comedia, puede entender por qué era tan eficaz en los espectadores despertar e inspirador. Después de todo, a pesar de la soapiness, se trata de un retrato cada vez más preocupante de la experiencia física y emocionalmente agotador de las enfermeras en Bataan y Corregidor. Es un trabajo admirable, con muy bien montada escenas de acción, y se las arregla para seguir siendo a pesar de absorber el toque de mano dura que prevalecía en la moral-impulsando las películas de guerra de la época.

Contada en flashback, la película se centra en el teniente Claudette Colbert, el oficial de alto rango entre las enfermeras. (Una vez que Colbert se hizo en el Pacífico, que iba a hacer un cambio total y representa la perfecta esposa del frente de su casa en 1944 de Desde que te fuiste, jugando la respuesta estadounidense a la señora Miniver.) Paulette Goddard, otro teniente, ganado a Mejor Actriz de Reparto nominación al Oscar como descarada alivio cómico de la película, que se adjunta a su camisón de seda negro como su jefe de inyección de moral. La película cuenta con dos romances en medio de la guerra: uno serio entre Colbert y el teniente George Reeves, y las travesuras alegres de Goddard y Sonny Tufts (como un marine indiferente tontamente).

Colbert no está en su mejor aquí, a veces recurriendo a actressy histrionismo de acceso directo, mientras que conscientemente la naturaleza divertida de Goddard puede crecer cansado de estas situaciones desafiantes unamusing. Esto deja Veronica Lake a irse con la película. Ella es sin duda el elemento más llamativo y original de la imagen (y que era ella, y no la "diversión" Goddard, que mereció la atención de Oscar). Como la nueva adición a la tripulación de Colbert, el lago es inmediato intrigante, incluso inquietante, porque ella es muy desagradable y de mal humor. Por último dejar bajar la guardia, le dice Colbert cómo ella fue testigo de la muerte de su prometido en Pearl Harbor. Es un detalle conmovedor, pero también sorprendente en su sed de venganza: "Voy a matar japoneses, todo manchado de sangre en el que puedo tener en mis manos!" Esto es especialmente escalofriante que viene de una enfermera.

Escena final, después del lago que se ha unido a Colbert y se enteró de que ella no es capaz de matar a cualquier japoneses presos-es inolvidable. Ella hace el último sacrificio, el ahorro de sus compañeras enfermeras de la violación y muerte. Con una granada oculta en su camisa, ella se acerca al enemigo que avanzaba. Lo que hace que la escena destaca especialmente es que el lago, hasta ahora bastante deglamorized, aumenta el poder de este momento, dejando el pelo suelto, liberar toda la fuerza de su famoso "peek-a-boo Bang." Ella es una estrella quema con tanta intensidad que literalmente explota. Aunque no hay una hora a la izquierda a la película, nada de lo que sigue puede ser igual relativamente breve contribución de Lake. Ella era una gran nueva estrella de los años de la guerra, las dos preciosas y con talento, pero el lago sería tristemente acabar en Hollywood en menos de una década, casualmente durante la próxima guerra de Estados Unidos.

Grito "estrago", del director Richard Thorpe otra película sobre enfermeras en Bataan, era esencialmente de MGM So Proudly We Hail! Esto, también, fue una muy buena película de guerra femenina centrada, otra historia sobre el coraje increíble. Ninguna película puede coincidir con el peso de su tema, pero la frescura del foco (en la mujer) permite nuestra considerable buena voluntad, incluso cuando las películas optan por complicaciones telenovelas románticas. Esta vez, en lugar de Colbert, tenemos Margaret Sullavan como teniente. Ella es un tipo desagradable, sobre todo, de todos los negocios del personaje que pasa a ser secreto que sufre de malaria maligna. (¿¿Alguien tiene enfermedades películas más mortales que Sullavan) Dividir lo que podría llamarse el papel Paulette Goddard, tienes dos de las actrices de pantalla más agradables de todos los tiempos: Ann Sothern y Joan Blondell. Sothern es una chica dura y, por tanto, un wisecracker as, mientras Blondell es una ex reina de burlesque. También en la mano son el capitán Fay Bainter, Marsha Hunt (maravilloso, como siempre), Ella Raines, y Heather Ángel. Caza y Angel son casi tan lejos como usted puede conseguir de su tiempo juntos como hermanas en Orgullo y prejuicio (1940).

Al igual que en So Proudly We Hail! Conseguimos clichés, la previsibilidad y arengas, pero ambas películas respetuosamente conseguimos dar situaciones terribles que les es debido. Robert Mitchum tiene una línea ("estoy bien") antes de expirar en los brazos Raines. Sullavan hace su trabajo bien tradicional, a pesar de que su papel es un lastre. En general, es una película más pesimista de lo So Proudly We Hail! Que es probablemente por eso que es menos recordado. Grito "estrago" es también el stagier de los dos, basado en una obra de Broadway flop, prueba con la noche, que contó con Carol Channing entre los miembros del elenco.

Además de Oscar asentimiento de Paulette Goddard, So Proudly We Hail! Fue nominado para la cinematografía negro y blanco, guión original, y efectos especiales. Grito "estrago" no recibió nominaciones. Pero, de nuevo, la comida para llevar más vital de este par de películas es Veronica Lake, una víctima de Hollywood que ahoras parece tener la última risa.

En este Día de los Caídos, considere una de las mejores películas de la Segunda Guerra Mundial a finales de los años 1940, los años en los que Hollywood comenzó a examinar la guerra con una nueva objetividad y mayor profundidad, libre de su obligación en tiempo de guerra como inyección de moral incondicional. La guerra ha terminado en 1945, y con los mejores años de nuestra vida (1946) tratan de manera tan elocuente con los soldados que regresan y su transición a la vida civil, pronto el momento adecuado para una película como Almas en la hoguera, dirigida por Henry King y protagonizada por Gregory Peck, un importante paso adelante en la creciente madurez de Hollywood sobre el tema de la Segunda Guerra Mundial.

Almas en la hoguera sostiene muy bien, en parte porque no es realmente acerca de la Segunda Guerra Mundial, pero la guerra en general, en especial el efecto psicológico de mando. El escenario es Inglaterra durante 1942 y 1943, con el foco en un "bombardeo de precisión luz del día" unidad estadounidense cuya misión es apuntar a la industria alemana. Aunque es una película tensa y tensa, es a diferencia de la mayoría de las películas de guerra, ya que insiste en hablar sobre la acción. El guión hábilmente dramatiza oponerse técnicas de liderazgo de los dos hombres que ocupan el cargo de comandante de grupo. En primer lugar está Gary Merrill como un coronel que es sensible a las necesidades de sus hombres, una figura querida, pero no consigue batir a la unidad en forma. Su sucesor, el general interpretado por Peck, es desagradable, exigente y poco temido, pero él es el que obtiene excelentes resultados. A pesar de la resistencia a su estilo de gestión ("Considérense ya muerto") y su impopularidad personal, Peck y sus métodos rigurosos aumentar el orgullo de los hombres en su trabajo, lo que les permite esperan más de ellos mismos.

La película puede parecer que está respaldando las tácticas de Peck, pero es en última instancia, sobre la imposibilidad de no involucrarse emocionalmente, si eres empático Col. Merrill o sin sentido general Peck. Mantener sus emociones bajo control, finalmente resulta ser tan difícil para Peck por ser abiertamente crianza fue inadvertidamente perjudicial para Merrill. Twelve O'Clock High representa la guerra como un juego mental, no entre enemigos, sino dentro de cada individuo, tratando todo lo posible para hacer su trabajo de forma más eficaz posible, para mantener el estado de ánimo que te lleva a través del día. ¿Cuánto estrés y el miedo razonable puede resistir por ningún hombre? La historia no tiene interés en pasados ​​o futuros de los hombres, sólo su utilidad en tiempos de guerra. No existe un mundo exterior más allá de los bombardeos. Actitud de respaldo rígido de Peck y el núcleo de la fuerza son finalmente incapaz de protegerlo de inminente agotamiento y colapso, tanto de las variedades físicas y mentales.

Superando toda su obra anterior, Peck interpreta a un hombre que obliga a una persona sobre sí mismo. Decidir de antemano qué es lo mejor para sus hombres, que promulga el papel de jefe formidable, sabiendo que será despreciado en el proceso. (Él no se llama Frank Savage nada.) Hay un gran momento cuando Peck, a punto de asumir su nuevo cargo, fuma un cigarrillo fuera de su coche, absorbiendo sus últimos momentos de libertad antes de convertirse en el compañero aparentemente sin sentimientos que tiene que ser. Él es como un actor de teatro en las alas, esperando su primera entrada. Fine como Peck es decir, en una actuación que le atrapó su cuarta nominación al Oscar como Mejor Actor en cinco años, el general salvaje es un papel con el potencial de una grandeza que Peck no acaba de alcanzar. Aunque infaliblemente inteligente y comprometido intensamente, la actuación de Peck es más a menudo fuerte y admirable de lo complejo y fascinante.

Como ayudante de grupo (un trabajo de escritorio), Dean Jagger ganó el Oscar al mejor actor de reparto del año. No es el tipo de prestaciones habitual Oscar, mucho más sutil y menos vistosa, a pesar de que tiene dos (aunque restringida) escenas de ebriedad. Es una actuación honesta, cálida, aunque el Oscar parece excesiva apreciación del bien, un trabajo sólido. (¿Cómo no alguien haber votado por Ralph Richardson en La heredera? Un igual de bueno, si no mejor, la elección fue unnominated Paul Douglas de Carta a tres esposas.) Jagger es el foco de 1.949 pisos encuadre de la película, cuando se vuelve a visitar el aeródromo en el que la mayor parte de la película se desarrolla, mostrando de nuevo a 1942. (Por lo tanto, Jagger es el único personaje que sabemos a ciencia cierta que ha sobrevivido a la guerra.) Gary Merrill es un actor tan limitado, obviamente, apenas habitar su papel como el coronel, mientras Hugh Marlowe va mejor como un objetivo en particular Peck, que se convierte en un bien soldado. (Merrill y Marlowe jugaron un papel importante en la All About Eve del año siguiente.)

La dirección de Henry King puede parecer un poco monótono, pero la película se apunta claramente a un marcado aspecto normal, casi documental y sentir. Sus escenas largas e ininterrumpidas diálogo se añaden a una atmósfera general de realismo. Ciertamente, entre los cinco mejores películas americanas de 1949, e infinitamente superior a todos los hombres del rey (ganador del Oscar, Mejor Película del año), Twelve O'Clock High sigue siendo una película de guerra difícil, fascinante, y en la exploración, todavía fresco y adultos. Fue el primero de los seis colaboraciones entre Peck y Rey. Su segundo trabajo, El pistolero (1950) es, para mi dinero, el destacado, no sólo un magnífico occidental, sino una película con una actuación Peck dotado con toda la complejidad batido y profundidades de capas sólo insinuada en Almas en la hoguera.

En este jueves, 23 de mayo de Joan Collins cumple ochenta. Ella ha sido un "nombre", la actriz durante seis décadas, pensó por algunos como del pobre Elizabeth Taylor de 1950 Hollywood. Collins era una belleza que parecía Inglés perennemente a punto en el borde de un estrellato cinematográfico que nunca sucedió. Sus tiros a convertirse en un importante protagonista eran casi terminado a principios de los años 1960. Ella encontró trabajo posterior con apariciones en televisión, sobre todo en Star Trek y Batman, ocasionalmente apareciendo en una película que nadie vio. Su punto más bajo en pantalla grande parece ser imperio de las hormigas (1977), pero tal vez ella está en un par de películas aún peores.

Collins famoso levantó de las cenizas y se hizo más popular que nunca, cuando interpretó el papel de Alexis Carrington en Dinastía de TV, convirtiéndose en la perra de la reina de 1980, jabones nocturnas. Se deleitaba en campy cattiness y glamour hombro acolchada, con lo que algunos de bienvenida al estilo antiguo brillo de alta potencia con una pequeña pantalla hambre. Fue divertido verla disfrutar del lujo en lujo, sobre todo porque ella conserva un aire de diversión irresistible consciente, sin perder su sentido del humor acerca de la basura producida caro que finalmente la puso en la parte superior. Supongo que había estado en el negocio mucho tiempo, y había sobrevivido a demasiados golpes duros, tomar cualquiera de su nuevo éxito muy en serio. En unos cincuenta años, era de repente una sensación de noche de treinta años.

Mirando hacia atrás en Collins película carrera de los mediados y finales de 1950, parece claro que ella era mejor actriz de lo que se reconoce en el momento. A pesar de que en realidad nunca tuvo la clase de papel estelar que podría haber demostrado que era algo más que una cara bonita, que a menudo era bueno y no forzados en los malos, películas forzados. Su trabajo puede ser simple, directo y honesto, lo que significa que es fácil pasar por alto, pero también que ha envejecido bien. Y ella consiguió su parte de imágenes de alto perfil. Sólo en 1955, ella apareció en la tierra de los faraones, la Reina Virgen, con Bette Davis, y la muchacha del trapecio rojo Howard Hawks, jugando Evelyn Nesbit.   Luego, en 1956, llegó al sexo opuesto, un remake semi-musical de las mujeres, en color y con la incorporación de los hombres (que de alguna manera logran ser menos intensos que los hombres en la versión de 1939, que nunca parecen!). Collins consiguió el viejo papel de Joan Crawford, Crystal, el depredador excavación de oro. Para Crawford, el resultado fue probablemente la mejor actuación de su carrera. Y Collins absolvió a sí misma muy hábilmente, que viene a través de la combinación adecuada de características, partes iguales exquisito y podrida. Esta vez, Crystal es una corista en lugar de una vendedora de perfumes departamento.

The Sex Oppsoite es una película lenta, esforzadamente dirigido por David Miller, serias carencias en el humor o ingenio (a pesar de que está basado en uno de los más divertidos y más ingeniosa de todas las comedias del Siglo de Oro). Leslie Nielsen es el esposo de June Allyson, robado por Collins. La Sra. Allyson es tan insoportable (en su período perfecta-mujer presumida), que es posible que, como yo, que te encuentres a animar a Collins. Cuando Allyson abofetea durante una confrontación entre bastidores, el subtexto sube a la superficie: Allyson aparentemente está castigando a Collins por haber robado la imagen de ella. (Nielsen es un productor de Broadway, Allyson una estrella retirado, con Collins aparece en el último espectáculo de Nielsen.) Mientras Allyson carece de encanto y trabajó en sus efectos, Collins muestra ningún esfuerzo perceptible, por instinto y con confianza blandiendo su atractivo seductor. Ella tiene el impacto devastador de aquellos para los que la belleza y el glamour se funden perfectamente.

Un gran frustración de esta película está teniendo que soportar números musicales de Allyson, mientras que el gran cantante Dolores Gray (en el papel de Roz Russell) gorjea sólo la melodía del título en los créditos de apertura (una buena canción que se vende con voz sedosa, con su marca patentada de latón ronroneando). El increíblemente ronca voz-Allyson, que apenas puede hablar, tuvo que soportar la indignidad de una voz de canto llamado para ella una balada.

Joan Blondell, perdido en la siempre embarazada papel Phyllis Povah, es de fundición interesante simplemente porque ella era la esposa en la vida real de Dick Powell, que ahora era el marido de la vida real de Allyson. También en el conjunto son Agnes Moorehead en el papel de María Boland y Ann Miller en el papel Paulette Goddard. Oh, es un elenco de final, en el papel de todos modos. Pero, aparte de Collins y Gray, no se apunta, ni siquiera se hace un hueco de una impresión. (Al igual que Gray, ¿por qué lanzar un dínamo comedia musical como Ann Miller y luego no se cantar y bailar, especialmente cuando Allyson está trabajando muy duro en sus vanos intentos de WoW?) La película flatlines desde el principio, pero nunca hay nada plana sobre Joan Collins. Se aborda un funcionamiento clásico, cumple con los requisitos de su papel, y se une a las filas de la primera tasa de cálculo chicas malas.

Con La Isla en el sol (1957), otro evento de estrellas, te encuentras atrapado en una telenovela cuaderno de viaje. (Su ubicación titular es un lugar que se llama Santa Marta, una colonia británica.) Chapa de la película de seriedad no puedo ocultar su esencia de mala calidad, es sólo un melodrama ensartados con "problemas" de la raza y la política. Si había algo atrevido al respecto en 1957, bueno, ahora es lastimosamente mansos, sobre todo brillante y colorido y aspecto caro. Dos amores interraciales de la película son extremadamente casta: John Justin y Dorothy Dandridge se les permite abrazar, mientras Harry Belafonte y Joan Fontaine ni siquiera llegar tan lejos. Mientras tanto, los británicos ricos James Mason y la Sra. Collins, hermano y hermana, se enteran de que están mezclados racialmente. Parece que era la abuela que tenía un poco de sangre jamaicana. Collins se dedica a su compatriota británico Stephen Boyd, que no le importa un comino su composición racial. Ella se queda embarazada por él antes de casarse. En un giro extraño, madre de los hermanos, Diana Wynyard, informa a Collins que no tiene que preocuparse acerca de la raza, porque su papá en parte de Jamaica no es su verdadero padre! Parece que el gran Wynyard (estrella de de 1933 sobre todo terrible, ganadora de un Oscar Mejor Cabalgata Picture) no era un santo hecho.

El otro, y lo más acalorado, la trama es el Sr. Mason, en relación con su celo sobre un presunto mal romance entre su esposa, Patricia Owens y Michael Rennie. Mason Rennie estrangula a la muerte y violaciones Owens. El policía John Williams, de vuelta en Dial M for Murder modo, persigue Mason y, al hacerlo, se marcha con la película. Sólo él y la Sra. Collins impresionar con sus inteligentes actuaciones discretos, mientras que por lo general gran Mason falla en un papel increíblemente quejica. Es un agujero en toda su antipático autocompasión, comportándose como un idiota completo en todo.

El director Robert Rossen parece que no puede descubrir la más mínima profundidad de cualquiera de las historias entrelazadas. La mayor parte de la actuación se desvanece en el exuberante entorno local, con casi todo el mundo sorprendentemente sin vida, aparte de overexertions de Mason y los dos giros inteligente juzgado del Sr. Williams y la Sra. Collins.

No es mi intención sugerir que Joan Collins tenía los ingredientes de una gran actriz, pero yo creo que fue despedido injustamente, mostrando un potencial considerable que fue mayormente desapercibido. En el sexo opuesto y la isla en el sol, que más que lleva a cabo su propio opuesto algunas estrellas principales. Ciertamente había algo genuino allí, algo que nos han hecho todavía estamos hablando de Joan Collins, con motivo de su octogésimo cumpleaños.