Abbott: ". Ik weet dat er geen dergelijk persoon als Dracula, weet je dat er geen dergelijk persoon als Dracula"

Costello: "Maar doet Dracula weet het?"

15 juni de 65ste verjaardag van de release van Abbott en Costello Meet Frankenstein, een van de best-gehouden van films aller tijden, een met een bijzondere aantrekkingskracht voor kinderen van alle leeftijden. Immers, hoeveel films mix komedie en horror als innemend? Ik herinner me genieten van deze film ontelbare keren in mijn jeugd, meestal met mijn broers en zussen en neven, nooit vermoeiend ervan. Dat waren de dagen (de jaren 1970) bij kanaal 11 New York toonde een Abbott en Costello comedy elke zondagochtend. Mijn favoriet is de tijd van hun leven (1946), een Revolutionaire Oorlog-thema fantasy, maar A & C Meet Frankenstein is een zeer goede tweede. (Charles T. Barton geregisseerd beide foto's.)

Universele gecombineerd hun twee grote franchises-monster films en Abbott & Costello komedies-op een moment dat zowel nodig een boost. Na 1945, horror-serie de studio's was niet alleen dood, maar helemaal begraven, die vrij laag gedaald. Kijk naar House of Dracula (1945) als bewijs, een werkelijk vreselijke film ondanks zijn opname van niet alleen Dracula, maar de Wolf Man en het Monster van Frankenstein. Het was-vergeef me-de laatste nagel in de serie 'kist. Als voor Abbott en Costello, door 1948 leek het onwaarschijnlijk dat ze ooit weer zouden zijn zo populair als ze tijdens de Tweede Wereldoorlog was geweest. Een poll filmvertoners 'had ze van het scherm top box-office aantrekkingskracht van 1942 genoemd, door 1945, waren ze niet meer in de top tien. (Universal's derde blijvende troef, sopraan Deanna Durbin, maakte haar laatste film in 1948.) H oud That Ghost (1941), de "enge" Abbott en Costello comedy (en nog een van mijn favorieten), al had aangetoond dat het paar zou kunnen genereren grote lach in spookachtige instellingen. Dus, het was meer dan passend om ze samen te werken met herrezen monsters van de studio's. Voor alle betrokkenen, de match-up bleek te zijn zo verlevendigen als een van elektrische schokken dr. Frankenstein.

In de opening credits, die animatie bevatten, zult u merken dat de officiële titel van de film is Bud Abbott Lou Costello Meet Frankenstein, maar wie zou ooit zo noemen? Bela Lugosi is terug als Dracula, en Lon Chaney Jr (niet meer gefactureerd "Jr") is weer Lawrence Talbot (de Wolf Man), met Glenn Vreemd als het Monster van Frankenstein. Mr Strange zeker voldaan fysieke vereisten van de rol, maar was niet in staat om elke persoonlijkheid aan de kant te brengen. (Boris Karloff's Monster resulteerde in een-maken dat twee van de genre's all-time grootste prestaties.) Voor iedereen die de score bijhoudt, was dit Chaney's vijfde verschijning als de Wolf Man, Strange's derde als het Monster, en alleen Lugosi's tweede als de eigenlijke Dracula. Na de inanities en vernederingen van House of Dracula, alle drie iconische personages kregen een veel betere deal door te verschijnen met Bud en Lou.

Chaney wordt opgeroepen om de komische straight man tussen de monsters te zijn, handelt niet anders dan hij in zijn andere Wolf Man films doet. Zijn achtervolgd, plechtige houding geeft de film een ​​bevredigend kern van ernst: hij is de enige die lijkt te geloven dat een van de plot er daadwerkelijk gebeurt. Chaney is een goede sport, zodat degenen om hem heen om alle lacht plukken, alleen cuing de punch lines.

Chaney: "In een half uur, zal de maan opkomen en ik zal veranderen in een wolf."

Costello: ". Jij en twintig miljoen andere jongens"

Lugosi heeft echter toestemming om zijn amusant, vooral met betrekking tot zijn dikke Oost-Europees accent. Met Costello spelen van een collega met de naam Wilbur, probeer niet om elke keer Lugosi noemt hem lachen "Vilbur." (Het is ook moeilijk om de momenten te weerstaan ​​wanneer Costello noemt de Monster "Frankie" of "Junior.") Licht, self-geamuseerde prestaties van Lugosi is een traktatie, maar hij krijgt ook een aantal van zijn oorspronkelijke Transsylvanische oomph tonen wanneer hypnotiserende personen of het nemen van de af en toe een hap uit hen. De film moet waarschijnlijk zijn geroepen Abbott en Costello Meet Dracula, want immers, Lugosi is het monster de leiding.

De verhaallijn heeft de Wolf Man achter Dracula en het monster van Europa naar Florida. Het is Dracula's plan om de Monster's duivelse brein te vervangen door een eenvoudiger, meer kneedbare een, 'waardoor de Monster gemakkelijker te controleren. Dr Mornay (Lenore Aubert, een tweede-string Hedy Lamarr) is de prachtige chirurg die de perfecte hersenen voor het experiment heeft gevonden: Wilbur's. In een van de film grappigste lopende stukjes, Dr Mornay overtuigt Wilbur dat ze verliefd op hem, hem wezen rechts vrijage op de operatietafel in het laboratorium in het kasteel van Dracula. (Op een klein eiland in Florida!) Toevoegen aan de film aanhoudende plezier zijn een "House of Horrors" sequence, een truc muur in de kelder van het kasteel, en een climax confrontatie tussen Dracula en de Wolf Man. Zodra de monsters vernietigd zijn (nog maar eens), worden Bud en Lou pas bang door een gastoptreden van de Invisible Man (ingesproken door Vincent Price), de perfecte capper.

Hoewel Boris Karloff is opvallend afwezig hier, zou hij niet voor lang. Succes van de film gestart met een reeks van Abbott en Costello foto's waarin ze in botsing met andere legendes van horror: Abbott en Costello Meet the Killer, Boris Karloff (1949), Abbott en Costello Meet the Invisible Man (1951), Abbott en Costello Meet Dr . Jekyll and Mr Hyde (1953), opnieuw met Karloff, en, ten slotte, Abbott en Costello Meet the Mummy (1955). Niemand kwam ergens in de buurt van de blijvende genoegens van hun ontmoeting met Frankenstein, toen Abbott, Lugosi, Costello, en Chaney versmolten zo gelukkig dat hun film werd de soort die je wilt steeds weer opnieuw.

Met hun populariteit opgeladen, Abbott en Costello werden genoemd de film exposanten 'nummer drie box-office aantrekkingskracht van 1948 (achter Bing Crosby en Betty Grable).

"Wet, ze is een ster. Droog ze niet. "Fanny Brice dit zogenaamd zei over zwemmer Eleanor Holm, romantische rivaal Brice's, maar, zodra de naam Holm's verdwenen, raakte de lijn (te mooi om te verdwijnen) overgedragen aan Esther Williams, vooral omdat er zoveel mensen dachten dat het geschikt haar. De flagrante implicatie was dat zwemmer Williams was een MGM musicalster die niet kon optreden, zingen of dansen, gewoon zwemmen. Een oneerlijke beoordeling, hoewel Williams zou zeker niet zijn uitgegroeid tot een ster op basis van haar triple-threat vaardigheden. Ze overleed afgelopen donderdag op 91, een geschikt moment om haar te vaak afgedaan film-ster attributen opnieuw te beoordelen.

Esther Williams was in de top-tien box-office sterren van 1949 en 1950, de tweede alleen voor Betty Grable onder vrouwen. Haar nabijheid van Grable is logisch, want ze waren van dezelfde soort film ster, geliefd en bewonderd, maar schijnbaar aanspreekbaar. Ze waren beauties zonder buitenaardse godinnen, zoals Ava Gardner en Rita Hayworth, meer als het mooiste meisje in de hogere klasse, de pretentieloze all-American lieverd. Esther had sterren kwaliteit, dat "iets" dat maakt het publiek willen zijn in uw bedrijf, film na film, het gevoel dat ze kennen, willen, en om je geven. En ze had het echt, thuis in de voorkant van een camera of ze was in het water of niet (hoewel, ja, natuurlijk, haar ster kwaliteit schemerde helderste toen ze zwemmen lijken dansen). Ze nooit was wat je noemt een echte actrice zou noemen, maar binnen de grenzen van haar lichte komedies ze leek altijd zeer ontspannen, waardoor je bijna geloven dat die domme romantische verwikkelingen die zich voordoen tussen zwemt.

Schaatser Sonja Henie, dan bij Fox, had al de formule van hoe een atleet om te zetten in een ster van de film musicals opgericht. Echter, heeft Henie's sterrendom niet als Esther's leeftijd. Ze was geen schoonheid, noch had ze Esther's fundamentele on-screen troost (om eerlijk te zijn, was de Noorse Henie niet handelt in haar moedertaal). Het grootste probleem met films Henie's vandaag de dag is dat haar sport zo heeft overtroffen haar vaardigheidsniveau dat je nu afvragen wat al die ophef over was. (Waar zijn de triple loops?) Williams en haar films zijn een makkelijker sell-want er is nooit enige twijfel-dat meisje kan echt zwemmen!

Ik wil kijken naar twee Williams musicals, een uit elk van haar topjaren (1949 en 1950), een volkomen normale en de andere een echte verandering van tempo.

Hertogin van Idaho (1950) is een typisch Esther Williams beeld, niet proberen te zijn iets speciaals, gewoon in de hoop om publiek te voldoen aan de verwachtingen voor een aangenaam, kleurrijk vermaak, een die Esther ruime mogelijkheden geeft om in haar badpak. En, in zijn soort, het is helemaal niet slecht. De laagwaardige genoegens van dit soort muzikale komedie ontlenen aan het feit dat niemand probeert heel hard, op de goede manier. Het is een ontspannen, luchtig frivole film met forgettable liedjes, op geen enkele wijze een "geïntegreerde" musical waarin de nummers vooraf de plot. De nummers gebeuren uitsluitend in het uitvoeren van locaties. Het is een jaren 1940-stijl klasse-B musical, met speciale acts, in dit geval, waaronder de zeer Grade-A participaties van Lena Horne en Eleanor Powell (kortstondig opkomst van pensionering).

De typisch sitcom perceel heeft Esther helpt verliefde pal Paula Raymond winkelhaak haar playboy baas, John Lund, door achter hem in Raymond's armen. Langs de weg, Esther ontmoet bandleider Van Johnson, en, nou ja, je kunt de rest raden. De belangrijkste instelling is Sun Valley, dat is hoe Idaho maakte zijn weg naar de ongeïnspireerde titel. Esther speelt-je raadt het al-een zwemmen ster, en ze de hoofdrol in een Chicago extravaganza genaamd "Melody in Swimtime" (een betere titel dan hertogin van Idaho). De film heeft twee water spektakels, een bij de opening en de ene in de buurt van het einde, de eerste met een glijbaan en wijnstokken, de tweede een Griekse ogende spektakel. Geen van beide is een van haar beste of meest schandalige, maar ze krijgen de "escapistische 'klus te klaren. (Minder prettig is de film hilarisch beslissing om de opening credits gezongen door een koor te hebben!)

Waarom ben ik ook maar de moeite om te praten over een film zo triviaal, forgettable, en wegwerp? Het is omdat zo'n wegwerpmaatschappij film bewijst de star power van Esther Williams, zonder voordelen, zoals een eerste klas script. In het bewijs zijn haar warme likability, haar vertrouwen gemak bij het dragen van een film, haar zeer aantrekkelijk spreekstem, haar ongedwongen benadering van romantische komedie. Voeg dan de bevrediging van staren naar een prachtige, statige ster voor achtennegentig minuten. Ontwerper Helen Rose maakte Esther's kleur "rood" in deze film, en ze ziet er sensationeel uit, maar toch een of andere manier "gewone, 'als iemand je zou eigenlijk weten.

Niet al te lang voordat deze film, Esther kreeg iets van een MGM-musical promotie, een pauze van haar zwemmen-foto formule (die begon in 1944 met het Baden). Zij starred met Frank Sinatra en Gene Kelly in een top-tier Arthur Freed productie: Take Me Out to the Ball Game (1949). Er is al veel geschreven over de botsing tussen Esther en Gene, die blijkbaar voort uit Gene's unhidden ongenoegen over haar casting, een zogenaamde musicalster die niet echt zingen of dansen. (Tot haar creditcard, hielp ze introduceren de Oscar-winnende "Baby, It's Cold Outside 'in datzelfde jaar, in Neptune's Daughter.) Toch was het niet perfect passend voor Esther Williams hebben als de vrouwelijke ster in een musical over atleten, met haar het spelen van de nieuwe eigenaar van een honkbalteam?

Take Me Out to the Ball Game is een enorme teleurstelling gezien het talent betrokkenen (waaronder ook Busby Berkeley, Stanley Donen, en prachtige Betty Garrett). Het heeft zo-zo liedjes en zinloze plotten, ook al is het uitgangspunt is veelbelovend: ster ballplayers Kelly en Sinatra staan ​​te popelen vaudevilians in het off-season. Naast hun prachtige zang-en-dans om de titel af te stemmen, is er niet veel om te enthousiast over. Met zijn klassieke omgeving, doet de film geen gemakkelijke tijd om Esther in een zwembad, maar ook zij heeft een aantal leuke momenten met de titel tune, zwemmen en zingen voordat dompelen.

Als Esther werd gemaakt ontoereikend te voelen, goed, ze had het laatst lacht. Terwijl zij levert haar gebruikelijke gemakzuchtige likability, niet bereid om te pleiten voor een lach of een grijper op een scène, Kelly geeft wat ongetwijfeld zijn slechtste prestaties in een MGM musical, een schaamteloos hammy en unfunny beetje brede strip spelen. Zijn onophoudelijke overval is vermoeiend om naar te kijken. Praat over overschatten uw beroep! Staande op de zijlijn als Kelly maakt een dwaas van zichzelf, Esther (die nooit in haar wildste dromen kon concurreren met Kelly als een talent) handhaaft haar waardigheid, op geen enkele manier lijkt "niet goed genoeg" voor deze onderneming.

Esther Williams kan een beetje zingen, goed bewegen, spreken lijnen natuurlijk, krijg een lach of twee, en opwarmen met enkele van haar vooraanstaande mannen. Er was nooit enige twijfel over haar schoonheid of haar dapperheid in het zwembad (in termen van zowel sportiviteit en genade). Zet het allemaal op en je hebt een unieke en echte filmster, de wil van die onmogelijk kon weer komen.

Noemen dit tweede deel van mijn Memorial Day at the Movies, die vorige week begon met veel lof voor Twelve O'Clock High (1949). Vandaag wil ik kijken naar twee WWII films gemaakt tijdens de oorlog, twee vrouwelijke-driven werken toevallig uitgebracht in de herfst van 1943. Hun indrukwekkende casts kunnen verward worden met de ensembles van Stage Door of The Women (maar zonder het kostuum verandert). So Proudly We Hail! En Cry "Havoc" zowel focus op onze dappere verpleegsters zwoegen in de Stille Zuidzee. De gedeelde grasmat in deze films is dicht genoeg om je af waarom de twee groepen geen krachten of tenminste run deelnemen in elkaar.

Directeur Mark Sandrich's So Proudly We Hail!, Paramount's eerbetoon aan de Amerikaanse vrouwen in gevaar, is de meer bekende, populaire en veelgeprezen van de twee films. Al is het een te lange en enigszins onhandige mix van actie, romantiek, en zelfs comedy, kunt u nog steeds begrijpen waarom het zo effectief in het opzwepende en inspirerende bioscoopbezoekers. Immers, ondanks de soapiness, dit is een steeds ontnuchterend portret van fysiek en emotioneel slopende ervaringen van de verpleegkundigen op Bataan en Corregidor. Het is een bewonderenswaardig werk, met zeer goed geënsceneerde actiescènes, en zij beheert te blijven absorberen, ondanks de hardhandige aanraking die gangbaar was in de moreel-stimuleren van oorlogsfilms de era's.

Verteld in flashback, de film concentreert zich op Luitenant Claudette Colbert, de hoofdofficier onder de verpleegkundigen. (Eenmaal Colbert werd gedaan in de Stille Oceaan, had ze een volledige omkering te doen en vormen de perfecte vrouw van het thuisfront in 1944's Since You Went Away, Amerika's antwoord spelen om Miniver.) Paulette Goddard, een andere luitenant, won een beste vrouwelijke bijrol Oscar nominatie als de film sassy comic relief, gehecht aan haar zwarte zijden nachthemd als haar voornaamste morele opkikker. De film is voorzien van twee romances te midden van de oorlogsvoering: de ernstige-minded men tussen Colbert en Lt George Reeves, en de luchthartige capriolen van Goddard en Sonny Tufts (als goofily nonchalant marine).

Colbert is niet haar beste hier bij, soms zijn toevlucht tot actressy short-cut aanstellerij, terwijl zelfbewust amusante karakter Goddard's vermoeiend kan groeien in zo'n uitdagend amusant situaties. Dit laat Veronica Lake te lopen met de film. Ze is duidelijk de meest opvallende en originele elementen in het beeld (en zij was het, niet "fun" Goddard, die Oscar's aandacht verdiend). Als de nieuwe toevoeging aan de bemanning van Colbert, Lake is meteen intrigerend, zelfs verontrustend, omdat ze zo onvriendelijk en foul-getemperd. Tenslotte laten langs haar hoede, vertelt ze Colbert hoe ze getuige dood van haar verloofde bij Pearl Harbor. Het is een ontroerend afbraak, maar ook verrassend in zijn dorst naar wraak: "Ik ga naar Jappen doden, ieder met bloed besmeurde een ik kan mijn handen op!" Dit is vooral koelen afkomstig van een verpleegkundige.

Slotscène-na Lake's ze heeft gebonden met Colbert en leerde dat ze niet in staat is om eventuele Japanse doden gevangenen-is onvergetelijk. Ze maakt het ultieme offer, het redden van haar collega-verpleegkundigen van verkrachting en dood. Met een granaat verborgen in haar hemd, benadert ze de oprukkende vijand. Wat maakt de scene vooral opmerkelijk is dat meer, tot nu toe redelijk deglamorized, verbetert de macht op het moment door te laten haar haar naar beneden, het loslaten van de volle kracht van haar beroemde "peek-a-boo knal." Ze is een ster branden zo helder dat ze letterlijk ontploft. Al is er een uur over om de film, niets dat volgt kan relatief korte bijdrage Lake's evenaren. Ze was een grote nieuwe ster van de oorlogsjaren, zowel mooi en getalenteerd, maar meer zou helaas worden afgewerkt in Hollywood in minder dan een decennium, toevallig tijdens de volgende oorlog van Amerika.

Schreeuw "Verwoesting," regisseur Richard Thorpe's een andere film over verpleegsters in Bataan, was in wezen MGM's So Proudly We Hail! Er was ook een vrij goede vrouwelijke-centric oorlogsfilm, een ander verhaal over ongelooflijke moed. Noch film kan overeenkomen het gewicht van zijn onderwerp, maar de frisheid van de focus (voor vrouwen) maakt voor onze aanzienlijke goede wil, zelfs wanneer de films kiezen voor romantische soap-opera complicaties. Deze keer, in plaats van Colbert, hebben we Margaret Sullavan als luitenant. Ze is een meestal onaangenaam, al-business type teken die toevallig het geheim te lijden aan kwaadaardige malaria. (? Heeft iemand nog meer dodelijke film ziekten dan Sullavan) Splitsing wat zou het Paulette Goddard rol worden genoemd, heb je twee van de meest sympathieke scherm actrices aller tijden: Ann Sothern en Joan Blondell. Sothern is een stoere meid en daarom een ​​aas Wisecracker, terwijl Blondell is een voormalige burleske koningin. Ook bij de hand zijn kapitein Fay Bainter, Marsha Hunt (heerlijk, zoals gewoonlijk), Ella Raines, en Heather Angel. Hunt en Angel zijn ongeveer net zo ver weg als je kunt krijgen van hun tijd samen als zusters in Pride and Prejudice (1940).

Zoals in So Proudly We Hail! We cliches, voorspelbaarheid en speechen, maar beide films respectvol beheren om schrijnende situaties tot hun recht te geven. Robert Mitchum heeft een lijn ('Ik ben oke') vooraleer te vervallen in Raines 'armen. Sullavan doet haar gebruikelijke fijne baan, ook al is haar rol is een slepen. Kortom, het is een meer downbeat film dan So Proudly We Hail! Dat is waarschijnlijk waarom het is minder herinnerd. Cry "Havoc" is ook de stagier van de twee, op basis van een flop Broadway toneelstuk, Proof door de Nacht, die Carol Channing kenmerkte onder zijn leden van de cast.

Naast Paulette Goddard's Oscar knipoog, dus Proudly We Hail! Werd genomineerd voor zwart-wit cinematografie, origineel scenario, en speciale effecten. Schreeuw "Verwoesting" kreeg geen nominaties. Maar, nogmaals, de meest vitale afhaalmaaltijd van dit paar van films is Veronica Lake, een Hollywood-slachtoffer die nows lijkt te zijn met de laatste lach.

Op deze Memorial Day, overweeg dan een van de beste WOII films van de late jaren 1940, de jaren waarin Hollywood begon het onderzoeken van de oorlog met een nieuwe objectiviteit en verhoogde diepte, vrij van zijn oorlogsverleden verplichting als stoere morele opkikker. Met de oorlog meer dan in 1945, en met The Best Years of Our Lives (1946) maken zo welbespraakt met de terugkerende militairen en hun overgang naar het civiele leven, het was al snel de juiste tijd voor een film als Twelve O'Clock High, geregisseerd door Henry Koning en starring Gregory Peck, een belangrijke stap voorwaarts in Hollywood's ontluikende volwassenheid op het onderwerp van de Tweede Wereldoorlog.

Twelve O'Clock High houdt zeer goed, deels omdat het niet echt over de Tweede Wereldoorlog, maar de oorlog in het algemeen, in het bijzonder de psychologische tol van het commando. De setting is Engeland in 1942 en 1943, met de nadruk op een Amerikaanse "daylight precisiebombardementen" eenheid waarvan de missie is om de Duitse industrie richten. Al is het een strak en gespannen film, het is anders dan de meeste oorlogsbeelden, omdat het benadrukt praten over het optreden. Het scenario behendig dramatiseert tegengestelde leiderschap technieken van de twee mannen die de positie van de groep commandant. Eerst is er Gary Merrill als een kolonel die gevoelig is voor de behoeften van zijn mannen, een geliefde figuur, maar mislukte bij zweepslagen de eenheid in vorm. Zijn opvolger, de algemene gespeeld door Peck, is onsympathiek, veeleisend, en al snel gevreesd, maar hij is degene die uitstekende resultaten krijgt. Ondanks de weerstand tegen zijn bestuurlijke stijl ("Beschouw uzelf al dood") en zijn persoonlijke impopulariteit, Peck en zijn veeleisende methoden verhogen de mannen trots op hun werk, waardoor ze meer verwachten van zichzelf.

De film lijkt te onderschrijven Peck's tactiek, maar het is uiteindelijk over de onmogelijkheid van het niet steeds emotioneel betrokken, of je nu empathisch Col Merrill of no-nonsense Gen Peck. Houden van zijn emoties onder controle uiteindelijk blijkt zo moeilijk te zijn voor Peck als openlijk verzorgende was onbedoeld schadelijk voor Merrill. Twelve O'Clock High beeldt oorlog als een mentale spel, niet tussen de vijanden, maar binnen elk individu, proberen wat nodig is om je te doen job zo goed mogelijk, om de gemoedstoestand die je krijgt door de dag ondersteunen. Hoeveel stress en angst kan redelijkerwijs worden weerstaan ​​door een man? Het verhaal heeft geen belang bij de mannen verleden of toekomst, alleen hun oorlogstijd nut. Er is geen buitenwereld buiten de bombardementen. Peck's stijve-backed houding en kern van kracht zijn uiteindelijk niet in staat om hem te beschermen tegen dreigende uitputting en ondergang, van zowel de fysieke en mentale rassen.

Overtreft al zijn voorgaande werk, Peck speelt een man die een persona op zich dwingt. Beslissen op voorhand wat het beste is voor zijn mannen, georganiseerd ter nagedachtenis hij de rol van formidabele baas, wetend dat hij zal veracht worden in het proces. (Hij is niet vernoemd Frank Savage voor niets.) Er is een groot moment toen Peck, over naar zijn nieuwe post zal aanvaarden, rookt een sigaret buiten zijn auto, het absorberen van zijn laatste momenten van vrijheid voordat hij de schijnbaar gevoelloze kerel hij moet zijn. Hij is als een toneelspeler in de vleugels, wachtend op zijn eerste ingang. Fijn als Peck is, in een voorstelling die hem ingerekend zijn vierde Oscar voor Beste Acteur nominatie in vijf jaar, Gen Savage is een rol met het potentieel voor een grootheid die Peck kan niet helemaal bereiken. Hoewel feilloos intelligent en intens begaan, Peck's acteren is vaker stevig en bewonderenswaardige dan complex en fascinerend.

Als groep adjudant (een bureau baan), Dean Jagger won het jaar de beste mannelijke bijrol Oscar. Het is niet de gebruikelijke soort Oscar prestaties, veel subtielere en minder opzichtig, maar hij heeft wel twee (weliswaar ingetogen) dronken taferelen. Het is een eerlijke, warme prestaties, hoewel een Oscar lijkt overdreven waardering van goede, solide werk. (Hoe kan iemand niet hebben voor Ralph Richardson in The Heiress gestemd? Een even goed, zo niet beter, keuze was unnominated Paul Douglas voor A Letter to Three Wives.) Jagger is de focus van de film 1949 framing verhaal, toen hij vernieuwt vliegveld waar het grootste deel van de film speelt zich, knipperende terug naar 1942. (Dus, Jagger is het enige personage dat we zeker weten heeft de oorlog overleefd.) Gary Merrill is zo'n beperkte, voor de hand liggende acteur, nauwelijks bewonen zijn rol als de kolonel, terwijl Hugh Marlowe doet het beter als een bepaalde Peck doelgroep die een boete wordt soldaat. (Merrill en Marlowe speelde belangrijke rollen in het volgende jaar is All About Eve.)

Henry King's richting lijkt enigszins saai, maar de film is duidelijk gericht op een vlakte, grimmige, bijna documentaire look en feel. Zijn lange, ononderbroken dialoog scènes verder toe te voegen aan een algehele sfeer van realisme. Zeker in de top vijf Amerikaanse films van 1949, en oneindig superieur aan alle the King's Men (het jaar van de Oscar-winnende Beste Film), Twelve O'Clock High blijft een uitdagende, meeslepende en indringende oorlogsfilm, nog fris en volwassen. Het was de eerste van zes samenwerkingsverbanden tussen Peck en Koning. Hun tweede, The Gunfighter (1950) is, voor mijn geld, de opvallende, niet alleen een prachtige western, maar een film met een Peck prestaties begiftigd met alle karnen complexiteit en gelaagde diepten slechts gezinspeeld in Twelve O'Clock High.

Op deze donderdag 23 mei, Joan Collins draait tachtig. Ze is al een 'naam' actrice voor zes decennia, gedacht door sommigen als de arme man Elizabeth Taylor van 1950 Hollywood. Collins was een Engels schoonheid die leek eeuwig balanceerde op de rand van een film sterrendom dat nooit helemaal gebeurd. Haar schoten op weg een belangrijke leading lady waren allemaal maar in de loop van de vroege jaren 1960. Ze vond latere tewerkstelling met gastoptredens op televisie, met name op Star Trek en Batman, draai af en toe in een speelfilm die niemand zag. Haar grote-screen dieptepunt lijkt Empire of the Ants (1977) te zijn, maar misschien is ze in een paar films nog erger.

Collins beroemde steeg uit de as en werd populairder dan ooit toen zij starred als Alexis Carrington op TV's Dynasty, werd de koningin teef van 1980 nachtelijke soaps. Ze genoot van campy cattiness en schouder-gewatteerde glamour, brengt een aantal welkome oude stijl met hoge wattage glitter aan een uitgehongerde kleine scherm. Het was leuk om haar luxuriate kijken in luxe, vooral omdat zij behield een onweerstaanbare sfeer van zelfbewuste vermaak, nooit haar gevoel voor humor te verliezen met betrekking tot de duur geproduceerde rotzooi die uiteindelijk haar bovenop. Ik denk dat ze in het bedrijfsleven te lang was geweest, en had overleefd te veel harde klappen, voor een van haar nieuwe succes zeer serieus nemen. In de vijftig, was ze plotseling een dertig jaar sensatie.

Terugkijkend op Collins 'filmcarrière van de mid-to-late jaren 1950, lijkt het duidelijk dat ze een betere actrice dan werd erkend destijds was. Hoewel ze nooit echt het soort breakout rol die zou hebben bewezen dat ze meer dan alleen een mooi gezicht was, was ze vaak goed en ongedwongen in slechte, gedwongen films. Haar werk kan zijn eenvoudig, direct en eerlijk, wat betekent dat het gemakkelijk over het hoofd, maar ook dat het goed is verouderd. En ze kreeg haar aandeel van high-profiel foto's. In 1955 alleen al, verscheen zij in land van de farao, The Virgin Queen met Bette Davis, en The Girl in the Red Velvet Swing Howard Hawks ', speelt Evelyn Nesbit.   Dan, in 1956, kwam het andere geslacht, een semi-muzikale remake van The Women, in kleur en met de toevoeging van de mannen (die een of andere manier te beheren minder levendig dan de mannen in de 1939-versie, die nooit lijken te zijn!). Collins kreeg de oude Joan Crawford rol, Crystal, de goud-graven predator. Voor Crawford, het resultaat was waarschijnlijk de beste prestatie van haar carrière. En Collins vrijgesproken zichzelf het meest bekwaam, door komen met precies de juiste combinatie van eigenschappen, gelijke delen weelderige en verrot. Deze keer rond, Crystal is een danseresje in plaats van een parfum-afdeling verkoopster.

De Oppsoite Seks is een trage film, met inspanning geregisseerd door David Miller, groot gebrek aan humor of wit (ook al is het gebaseerd op een van de grappigste en leukste van alle Golden Age komedies). Leslie Nielsen is June Allyson's man, rijden met Collins gestolen. Ms Allyson is zo ondraaglijk (in haar zelfvoldane perfecte-vrouw periode) die u, net als ik, vind jezelf wroeten voor Collins. Toen Allyson slaat haar tijdens een backstage confrontatie, de subtekst stijgt naar de oppervlakte: Allyson is blijkbaar straft Collins voor het stelen van het beeld van haar. (Nielsen is een Broadway-producer, Allyson een gepensioneerde ster, met Collins die in de recentste Nielsen tonen.) Terwijl Allyson is charmless en werkte in haar effecten, Collins toont geen waarneembare inspanning, instinctief en vol vertrouwen hanterend haar verleidelijke aantrekkingskracht. Ze heeft de verwoestende gevolgen van degenen voor wie schoonheid en glamour naadloos samen te voegen.

Een grote frustratie van deze film is het hebben om muzikale nummers Allyson's doorstaan ​​terwijl de grote zangeres Dolores Gray (in de Roz Russell rol) warbles alleen de titel tune over de opening credits (een goede song die ze verkoopt silkily, met haar gepatenteerde merk van brassy spinnen). De onmogelijk gutturaale-geuite Allyson, die nauwelijks kan spreken, moest de vernedering van een nagesynchroniseerde zangstem voor haar een ballad verduren.

Joan Blondell, verspild in de steeds zwanger Phyllis Povah rol, is interessant casting simpelweg omdat ze gebruikt om de real-life echtgenote van Dick Powell, die nu de real-life manlief van Allyson was te zijn. Ook in het ensemble zijn Agnes Moorehead in de Mary Boland rol en Ann Miller in de Paulette Goddard rol. Oh, het is een knock-out gegoten, op papier toch. Maar, afgezien van Collins en Gray, niemand scoort, niemand maakt zelfs een deuk van een impressie. (Net als Gray, waarom wierp een musical-comedy dynamo zoals Ann Miller en vervolgens niet hebben haar zingen en dansen, vooral tijdens Allyson werkt zo hard in haar vergeefse pogingen om ons wow?) De film flatlines vroeg op, maar er is nooit iets plat over Joan Collins. Ze pakt een klassieke prestatie, voldoet aan de eisen haar rol is, en voegt zich bij de rangen van eersteklas berekenend slechte meisjes.

Met Island in the Sun (1957), een andere all-star-affaire, vind je jezelf gevangen in een reisverslag soap. (De titulaire locatie is een plaats genaamd Santa Marta, een Britse kolonie.) Van de film fineer van ernst kan niet helemaal verhullen haar trashy essentie, het is gewoon een melodrama gussied met "problemen" van ras en politiek. Als er iets gedurfd over het in 1957 was, goed, nu is het erbarmelijk tam, meestal glanzend en kleurrijk en dure ogende. De film is twee interraciale liefdes zijn beiden zeer kuis: John Justin en Dorothy Dandridge mogen knuffelen, terwijl Harry Belafonte en Joan Fontaine zelfs niet zo ver gaan. Ondertussen, rijke Britten James Mason en mevrouw Collins, broer en zus, leren dat ze racistisch zijn gemengd. Het lijkt erop dat het was oma die sommige Jamaicaanse bloed had. Collins is verloofd met collega Brit Stephen Boyd, die geeft geen moer om haar raciale make-up. Ze zwanger van hem raakt voordat ze trouwen. In een bizarre twist, de broers en zussen 'moeder, Diana Wynyard, informeert Collins dat ze hoeven zich geen zorgen over ras omdat haar mede Jamaicaanse papa is niet haar echte vader! Het lijkt erop dat het zeer groots Wynyard (ster van 1933's meest verschrikkelijke, Oscar-winnende Best Picture Cavalcade) was geen heilige inderdaad.

De andere, en meest oververhitte, plot is de heer Mason's, over zijn jaloezie over een ten onrechte veronderstelde affaire tussen zijn vrouw, Patricia Owens, en Michael Rennie. Metselaar wurgt Rennie tot de dood en verkrachtingen Owens. Politieagent John Williams, terug in Dial M for Murder mode, streeft Mason en, zo doende, loopt weg met de film. Alleen hij en mevrouw Collins imponeren met hun slimme, ingetogen optredens, terwijl de doorgaans grote Mason hapert in een onmogelijk zeurderig rol. Hij is een boring in al zijn onsympathieke zelfmedelijden, gedragen als een volslagen idioot overal.

Regisseur Robert Rossen kan niet lijken op te graven een greintje diepte bij elke van de verwevenheid verhaallijnen. De meeste van de waarnemend verdwijnt in de weelderige locale, met zowat iedereen verrassend levenloze, afgezien van Mason's overexertions en de twee intelligente geoordeeld bochten van meneer Williams en mevrouw Collins.

Het is niet mijn bedoeling om te suggereren dat Joan Collins had de ingrediënten voor een geweldige actrice, maar ik denk dat ze onterecht ontslagen, geeft een aanzienlijke potentieel dat meestal ongemerkt ging. In The Opposite Sex en Eiland in de zon, ze meer dan houdt haar eigen tegenover enkele grote sterren. Er was zeker iets echt daar, iets dat ons wil doen het nog steeds over Joan Collins ter gelegenheid van haar tachtigste verjaardag.